DOCS-CUBIERTOS

Construir mi vida, las partes que me han marcado, a partir únicamente de imágenes de archivo incluyendo cortos realizados por mi. Hacerlo al estilo de Los Angeles plays itself.

 A partir de footage de películas filmadas en la ciudad de Los Ángeles Tom Anderson arma una crónica de lo que ha sido la evolución de la ciudad. Los Angeles Plays Itself  es un recorrido a través de  las películas que se han realizado ahí o que han tomado "L.A" como temática y muestra cómo estas películas de alguna manera afectan a la propia ciudad y sus habitantes. . A pesar que de momentos se puede llegar a sentir un tanto repetitivo el propósito del autor, es un documental que contiene elementos  atractivos, datos curiosos sobre películas que la mayoría han visto, nos cuenta sobre las prácticas comunes de los estudios tales como el uso de un mismo edificio para distintas películas.  Se  agradecen esas críticas sarcásticas a las múltiples incoherencias que se dan en la gran parte de las películas mencionadas  por el autor, dotan de un buen sentido del humor.

Un avión desplomandoce, va envuleto en llamas que terminaran por cubrir la pantalla. Alguna vez esta misma imagen en pantalla, presentada en Dial History pudo haber causado un impacto brutal, inclusive escandaloso. Hoy en día eso no es más que un montón de fotogramas más, que hemos visto infinidad de veces y que por lo mismo mejor zapear y encontrar alguna otra cosa que mantenga nuestra atención, quizás si encontramos imágenes en vivo de las torres gemelas de NuevaYork desplomándose nuestra atención se quede ahí por una cosiderable catidad de tiempo, hasta que se banalice...el tiempo lo cura todo... y encontremos algo lo suficientemente fuerte para volver a captar nuestra atención. Eso es lo que me deja Dial History, una critica a los mass media que se manejan por fenómenos vendibles, todo es un espectáculo que tiene que superarse exponecialmente para poder ser considerado un producto redituable. Grimonprez lleva  la construcción de Dial History con  manera de zapeo, así mismo

Se habla de ciclos, del mundo no-occidental, de la diversidad, de las distintas percepciones culturales, de imágenes. Se pueden sentir plasmados pensamientos y sentimientos que Marker describe a manera de poesía: Le vienen a la mente imágenes que cabrían en una película, quizás su película perfecta, pero sabe que nunca la hará, entonces vuelve al meta discurso y habla de cómo no podrá hacerla pero que sí que mostrará imágenes, un comienzo, sus twists. No siempre se toma la narración literal, pues juega con lo que dice, lo que nos susurra "las imágenes son engañosas" ¿Qué es verdadero?...y entonces vuelve una imagen que ya habíamos dejado atrás cuando nos movimos a otra parte del mundo. Sans Soleil de entrada nos exige una mirada distinta, un análisis distinto a lo que usualmente estamos acotumbrados, nos hace ir a contracorriente, lo que podría ser tomado como un comienzo a hacer un cambio en la manera banal en que se suele llevar el mundo. Existen niveles temporales orga

Van der Keuken hace uso de la ironía para mostrar a los niños ciegos como inteligentes y creadores, además  nos coloca en el mismo plano que ellos mediante la imagen pues en los primeros planos nos desorienta "nos vuelve ciegos" con los cuadros negros, movimientos de cámara y amortiguamiento del sonido. En The Blind Child Van der Keuken muestra una intención poética no ideológica donde hace una muestra de igualdad para con los niños sin recurrir a sentimentalismos, lo que le da valor al documental.

Bert Haanstra emplea analogías entre animales y humanos así como de las acciones de ambos, el buen menejo de éstas dota a Zoo un agradable toque de humor y dinamismo. Así como en Glass el uso del Jazz acompaña las imágenes dentro de las que tambien cabe el contraste entre unas y otras, por ejemplo la secuencia en la que un público risueño mira  un pequeño mandril que escandalizado por ellos se cubre el rostro ocasionando la risa de un niño que lo contempla no sólo riendo sino con una ternura verdadera que convierte esa imagen en una de las más bellas del documental.

Bert Haanstra logra en Glass una perfecta conjunción entre imagen y sonido. No es casualidad que predomine en la banda sonora un saxofón, pues el director juega numerosas veces sincronizando los movimientos de los sopladores de vidrio con el soundtrack.  Los sonidos cristalinos también van muy ad-hoc con las imágenes, éstas provocan placer visual gracias a la calidez que irradian los colores del vidrio en su punto de amoldamiento y a los contrastes de éstos con el predominante negro del fondo.

Las calles y canales de la ciudad en su cotidianidad, después los indicios de la tormenta que se viene.  Comienza un desfile de imágenes poéticas empapadas de movimiento continuo, una imagen tras otra muestran una tarde de lluvia donde la belleza reside en detalles como los reflejos en el agua o las gotas sobre los cristales. El ritmo es concedido por el moviemiento que nunca cesa, ya sea en las ondas formadas en los charcos, las personas moviéndose caminado o en tranvía, o bien, el movimiento de las nubes. Joris Ivens nos muestra Amsterdam como una ciudadd en movimiento con un ritmo que más bien evoca tranquilidad.

Muestra innovadora del documental científico. Los filmes de Jean Painlevé se convirtieron en motivo de fascinación entre los surrealistas, al grado de ser catalogados como  "filmes surrealistas naturales", debido a las transgresiones que aparecen constantemente  como es el caso de los múltiples apareamientos entre las criaturas marinas, o bien, a las denotaciones de diversidad sexual existentes en la naturaleza (con el ejemplo de los caballitos de mar). Quizás un mayor valor  dentro la obra de Painlevé residiría en la forma innovadora de presentar un documento científico, comformado de dotes humorísticos y dinámicos, cosa no vista anteriormente en este tipo de documentos. Painlevé se vale de la técnica y la estética para lograr una acertada conjunción entre el conocimiento científico y el estilo cinematográfico.

El hombre de la cámara El poder de la mirada En El Hombre de la Cámara Dziga Vertov nos presenta La Cámara como un observador en potencia de la vida humana. En conjunto con la edición  provee una crítica de la manera de en que los ciudadanos emplean el tiempo. Se muestran imágenes que más bien toman una postura: en contra del ocio y a favor de la productividad, temas propios del periodo, un intento de promover los ideales estalinistas que tanto admiraba Vertov.  “El cine el mayor medio de agitación de las masas. La tarea consiste en ponerlo en nuestras manos” J. Stalin El hombre de la cámara es una combinación de propuestas cinematográficas. Con respecto al tema de la mirada se vale de elementos tales como el ojo visto at ravés del objetivo de la cámara o la filmación del cineasta filmando y básicamente su relación con la cámara…esa máquina moderna que llegó para cambiar por siempre la manera en que la humanidad se visualizaría. 

La represión social por parte de la gente en el poder, ese gobierno que “está en contra de la gente”  e inculpa de revoltosos a los quienes lo cuestionen. Punishment Park muestra a manera de falso documental cómo los acusados son tratados peor que criminales, asesinos, etc justamente porque ponen en peligro la credibilidad  del gobierno al mostrar el sistema truculento que beneficia únicamente a unos cuantos a costa del resto. Se vale de recursos como entrevistas, que en el montaje unirá a los momentos vividos por los protagonistas, inclusive mostrándolas después de que éstos han muerto.